Coleccionar Arte Contemporáneo

 

Conversando el otro día con mi gran amiga Voluspa Jarpa salió el tema de este gran libro “Coleccionar Arte Contemporáneo” de Taschen.

 

Esta editorial nos sorprende a través de Adam Lindemann como interlocutor central quién nos muestra en detalle como se desenvuelve el mercado del Arte contemporáneo. Quienes son sus protagonistas y que lugares ocupan en este mundo relatados por ellos mismos es lo que nos ofrece este ejemplar.

 

De mi punto de vista un tesoro, yo que creo que hay pocas cosas tan misteriosas como el mercado del arte, como este se desarrolla, un mercado orgnizado pero muy hermético que solo permite la entrada a ciertos elegidos.

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Pablo Palazuelo (1916-2007)

El pintor y escultor Pablo Palazuelo, poeta de la geometría, falleció ayer en Madrid a punto de cumplir los 91 años. Palazuelo murió ayer en su finca de la localidad madrileña de Galapagar, según confirmó José Rodríguez Spiteri, presidente de la Fundación Palazuelo y sobrino del artista. Los restos mortales de Palazuelo serán enterrados en el panteón familiar del cementerio de Galapagar.

Rodríguez Spiteri detalló que “se ha apagado sin ninguna clase de sufrimiento”. Palazuelo padecía desde antes del verano una enfermedad grave, que no le provocaba “ni dolores ni malestar especial”.

Palazuelo, era un artista que, tras pasar por el arte figurativo y el cubismo, desembocó en la abstracción geométrica. Premio Velázquez de las Artes Plásticas 2004, recibió numerosos galardones a lo largo de su carrera artística, entre los que figuran también el Premio Nacional de Artes Plásticas, obtenido en 1999 ex aequo con la escultora Cristina Iglesias.

Era un artista en constante evolución, que mantenía que “la vida es un movimiento continuo que no cesa ni con la muerte ni tras ella”, y que entablaba con su trabajo una lucha “por descifrar lo escondido, por solucionar lo difícil”, afirmó tras haber ganado a sus casi 88 años el Premio Velázquez.

Estudió Arquitectura en Madrid y posteriormente en Oxford, pero a partir de 1939, y gracias al apoyo de su madre, se entregó de lleno a la pintura. Después de pasar por el arte figurativo y el cubismo, desembocó en la abstracción. En 1948 llegó a París, con una beca del Gobierno francés, y expuso sus primeros dibujos abstractos. En esta época coincidió con artistas como Eduardo Chillida, con quien compartió muchas inquietudes.

Su primera exposición individual se celebró en París en 1955. Posteriormente expuso en los principales museos europeos y americanos, como el Guggenheim de Nueva York, el Carnegie International de Pittsburg, o el de Arte Moderno de la Villa de París.

En 1973 expuso por primera vez en España, causando una gran impresión, cuatro años antes de presentar por primera vez su obra escultórica. En la década de los 80 aparece la primera monografía sobre la obra de Palazuelo, fruto del intercambio de cartas entre el pintor y el poeta Claude Esteban.

En la década de los 90, su obra protagoniza varias exposiciones en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Reina Sofía y en la Galería Soledad Lorenzo, sala en la que mostró en 1999 sus últimos trabajos. Ayer, Soledad Lorenzo aseguraba que Palazuelo siempre fue un “artista indiscutido por todas las generaciones de artistas, lo que es bastante difícil”.

Biografia de Pablo Palazuelo:

Pintor, escultor y grabador español. Estudia Arquitectura en Madrid y en el Royal Institute of British Arquitects de Oxford.

Regresa a España en 1936 y desde 1940 se dedica a la pintura. Sus primeras obras neocubistas, influidas por Paul Klee, le conducen hacia la abstracción, a la que llega en 1947-48. Con una beca del gobierno francés se va a París en 1948 y se instala en el Colegio de España, donde conoce a Chillida, con quien participa en el Salón de Mayo de ese mismo año. Aunque sus primeros dibujos son de un constructivismo puro, éste da paso al arte abstracto regido por la leyes de la naturaleza con un fuerte componente geométrico y matemático.

Su pintura, de una apariencia sencilla, oculta una gran complejidad teórica que procede en gran medida de sus lecturas de Mircea Eliade, Gaston Bachelard y las filosofías orientales.

A su regreso a España en 1969, e instalado en Monroy (Cáceres), realiza la serie “Monroy”, en la que investiga sobre la relación entre los signos gráficos y la música y llega a hacer cuadros “musicales”.

Desde 1979 realiza de forma continuada tanto escultura como pintura. Ha sido galardonado con en Premio Kandinsky en 1952, el Premio Carnegie en 1958 y la Medalla de Oro de Bellas Artes en 1982.

Fuente: art20xx

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Gerhard Richter (En)

Gerhard Richter was born in Dresden in 1932 to a middle class family. Like many Germans of his generation, his relatives were involved in the Nazi movement; his mother’s brother, Uncle Rudi died a young Nazi officer, while Richter’s mentally disabled aunt was imprisoned in a Hitler euthanasia camp. Rigorous ideology and death have haunted Richter since he was just a child, perhaps causing his strong dislike for ideology of any kind and underpinning the attraction that nature, as an indiscriminate force, holds for him.

Support from his mother encouraged him to become an artist during his mid-teens and he embarked on a classical education at the Dresden Art Academy in Communist East Germany. Years later and a few months prior to the erection of the Berlin Wall, he and his wife fled with only a suitcase to Düsseldorf in West Germany. From 1961 to 1964, Richter studied at the Staatliche Kunstakademie Düsseldorf under Karl Otto Gotz.

An Influential Peer Group

During the early sixties Richter met and began to work with artists such as Sigmar Polke, Konrad Fischer-Lueg and Georg Baselitz. Their work, and Richter’s in particular, began to have an impact in Germany, and eventually international art circles. Richter’s beliefs are credited with refreshing art and rejuvenating painting as a medium during a period when many artists chose performance and ready-made media.

Together with Polke and Fischer-Lueg, Richter formed a group called the Capitalist Realists. The Capitalist Realists were satirical, often deriving subject matter from print media. Richter began to see art as something that had to be separated from art history; he believed that paintings should focus on the image rather than the reference, the visual rather than the statement. He wanted to find a new way of painting that would not be constricting. Richter emerged from the group to become one of the most sought after contemporary artists in the world. His work is regularly sold at auction, sometimes for millions.

The First Exhibition

Richter’s first solo exhibition was held at Mobelhaus Berges, Düsseldorf in 1963. It was the first presentation of his photo-based painting style. Richter blurred the paintings, modernising traditional art through technique, and using photography as his source of material. These blurred paintings of photographs are close to reality but also contain a nostalgic distance, because the eye can never precisely capture the image being viewed, rather like trying to remember the features of a person whom one hasn’t seen for a while. Only the outline is remembered, and the rest blurred. With his photo-based paintings of regular images, Richter has tried to subvert the hierarchy of art and the everyday. “I believe in nothing”, he has said.

In 1967 Richter won the Junger Westen Prize and began to paint the Colour Charts, Grey Paintings and Forty-Eight Portraits; the Colour Charts are structured on a pre-established system of colour determination, removing artistic whim; the grey paintings contain no interpretable images but are experiments in brushstroke and the application of paint; the portraits are images of intellectuals Richter selected from an encyclopedia.

In 1972 Richter was chosen to represent Germany at the Venice Biennale. That same year, he exhibited at Documenta in Kassel, where he showed again in 1977, 1982 and 1987. At Documenta in 1982 Richter was awarded the Arnold Bode Prize and in 1985 in Vienna the Oskar Kokoschka Prize. To read a comprehensive list of Richter’s exhibitions and awards, visit our Exhibition page.

International Recognition

Richter’s first exhibition in the U.S. took place at the Reinhard Onnasch Gallery in 1973. Fifteen years later in 1988 he was given his first North American retrospective organized by the Art Gallery of Ontario, Toronto and The Museum of Contemporary Art, Chicago. In 2001 the Museum of Modern Art in New York exhibited a retrospective of Richter’s paintings called “Forty Years of Painting”. Curated by Robert Storr, the exhibition was critically acclaimed.

A Diverse Range of Styles

The 2001 Retrospective at MOMA displayed how diverse Richter’s paintings are. His early work is of blurred figurative paintings, both with and without colour followed by seductive abstract paintings, with a colour palette that is either brilliant or subdued. His surprisingly diverse range of work has received prolonged discussion from critics, especially due to Richter’s disregard for “traditional” stylistic progression and his use of photographs.

Beauty in the Ordinary

Unlike American artists Richter wasn’t interested in the purity of art. Idealism had disillusioned him from an early age. Instead he painted images without glory; images that rendered the ridiculous, ordinary; the tragic, ordinary; the beautiful, ordinary. Throughout his career Richter has shrunk from giving a psychological insight into his art, leaving his admirers and critics guessing and at times confused. According to him, his work forms from structures and ideas that surround him, nothing more profound than that.

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Muriel le Pair (1970)

The central theme of my work could be described as follow:
I am fascinated by the moment of recognition; the glimpse that is enough to recognize someone from miles away. The image you have of someone in your mind is not a static portrait, but a compilation of hundreds, thousands impressions that coincide simultaneously. It’s up, down, front and behind at the same time. This image is no statical portrait, is the classical way, but fabricated of everyday moments and situations.

Muriel le Pair (1970)
lives and works in amsterdam, the netherlands

Education
Utrecht School of the Arts, department Autonome Vormgeving (1989 – 1994)

Exhibitions (selection)
3d Art Gallery, virtual 3d exhibition
Gallery Dje-art, Ankeveen (2003)
Close at a distance, Gallery 300procent Schiedam (2003)
Gallery Dje-art, Amsterdam (2002)
Arti et Amicitiae, Amsterdam (2000)
CBL, Amsterdam (1998)
Wat de Koningin ook mag zien, W139 Amsterdam (1995)

Second round Royal Grant for Painting /
koninklijke subsidie (2002, 2000, 1996, 1995)
Nominee ArtOlive artprice (2000)

http://muriel.art-today.nl/index1.php

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Arne Jacobsen – Water colours

Fondos de pantalla disponibles de las pinturas de Arne Jacobsen (1902-1971)

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Alfredo Jaar

Alfredo Jaar Hasbun, artista visual. Nació en Santiago el 5 de Febrero de 1956.

Luego de ganar la beca literaria internacional Air France del concurso Antoine de St. Exupéry a los 18 años, ingresó a la carrera de arquitectura en la Universidad de Chile en 1979. Realizó estudios de cine en el Instituto Chileno Norteamericano de Cultura en Santiago. A fines de los setenta, participó en concursos y exposiciones donde destacó como escultor, grabador e instalador.

Luego de ganar la Beca Fundación del Pacífico en 1982, se radicó en Nueva York, Estados Unidos, lugar donde comenzó a desarrollar una sólida y reconocida trayectoria internacional.

En 2000 se le otorgó el Mac Arthur Fellowship Grant, que premia a personalidades de méritos excepcionales y que han mantenido un trabajo creativo de alta calidad. Fue premiado con la Winton Chair for Liberal Arts por La Universidad de Minnesotta en Los Estados Unidos que otorga la distinción a académicos que han cuestionado los patrones establecidos de pensamiento y que han desarrollado investigación desafiando y expandiendo paradigmas culturales.

Adscrito a la línea conceptual, formó parte de la vanguardia chilena con una propuesta visual que planteaba las limitaciones y las ventajas comunicacionales del arte para acercarse al espacio social.

Desde mediados de los años ochenta la obra de Jaar se ha caracterizado por su firme crítica a las discriminaciones políticas, económicas y sociales. Usando el lenguaje del arte, se volvió un acérrimo opositor de las políticas globales de desarrollo.

Ha recorrido el mundo cámara en mano, rescatando imágenes que denuncian los problemas de la pobreza, el hambre, la guerra, la explotación del hombre, el sida y la discriminación racial y política. La utilización de estas imágenes lleva a la reflexión sobre el poder, los medios de comunicación, y la responsabilidad que les cabe en el tema de la manipulación y banalización de grandes catástrofes humanas.

Las instalaciones de Jaar son transitorias, duran el tiempo en que son expuestas y utiliza para ello la llamada mix-media, es decir, recursos lumínicos, la fotografía y otros materiales utilitarios de la vida moderna.

Generalmente, el lugar en que se exhiben y los mismos espectadores, se incorporan a la totalidad de la obra y deben ser activos intérpretes de ella.

Dibam

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Tony Smith (1912-1980)

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Die (Dado) por teléfono

Hasta hace dos años, Tony Smith fue, según confiesa el mismo, un patito feo del arte. Era conocido, si lo era, en los círculos artísticos de Manhattan como arquitecto menor y un pintor de domingo, de abstracciones geométricas, un irlandés semiprofesional (sus bisabuelos eran de la tierra de Joyce) cuyos recitales en Finnegans Wake animaban las fiestas de artistas. Entonces casi de un día para otro, Smith floreció.

Su primera escultura se ejecutó en 1962, cuando enseñaba diseño básico en el Hunter College. Era una caja negra. Como el lo recuerda, sus estudiantes estaban construyendo diseños básicos a partir de cajas de cigarrillos. Tony les encargó hacer sus diseños cinco veces más grandes, en cartón, para obtener el efecto de escala añadida. Entonces, un día le llamo la atención una caja negra de fichas, sobre el escritorio de un colega.

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